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Aunque la película de 2026 " Heart of the Beast " esté ambientada en Alaska (con Nueva Zelanda como escenario alternativo), la música es toda de Hollister, cortesía del compositor de cine y residente Jared Michael Fry.
La última vez que habló con BenitoLink, Fry había contribuido con música a la película de 2024 " El apicultor ", dirigida por David Ayer y protagonizada por Jason Statham. Trabajando con el mismo director y protagonista, se le encargó componer su primera banda sonora completa para " Un hombre trabajador ", que se estrenará en 2025 .
“Antes, lo único que sabía era componer música para películas, enviarla y darlo por terminado”, dijo Fry. “Ahora, tenía que formar parte de este proceso más extenso de grabación, mezcla y de encontrar a todas las personas con las que necesitaba ponerme en contacto”.
“Heart of the Beast” narra la historia de James Belmont (Brad Pitt), veterano de las Fuerzas Especiales del Ejército, y Odin, un antiguo perro explorador de combate, mientras emprenden un viaje hacia la civilización a través de un páramo inhóspito tras el accidente de su avión privado.
Recurriendo a una amplia gama de instrumentos y vocalistas convencionales y tradicionales, Fry dedicó 18 meses a crear una banda sonora etérea, primigenia y cautivadora, que impregna la película de tensión dramática y profunda espiritualidad.
BenitoLink: ¿Cómo empezaste con “Heart of the Beast”?
FRY: Recibí el guion justo antes de que empezaran a filmar. Lo comenté con David y Brian Lawson, el editor musical. Luego me puse al piano, inspirándome en los sentimientos, las emociones y los temas del guion. Sabía que era una historia de supervivencia y una historia de amor. Era peligrosa y hermosa. Escribí muchísimas ideas diferentes. Sin la imagen en ese momento, tenía libertad para escribir, empezar algo y dejarme llevar.
¿Qué conclusiones sacas del guion?
Una sensación. Eso es todo. Es lo único que puedo decir. Simplemente mucha meditación sobre James y Odin. Lo que significa su relación y cómo lucharon en el peligroso desierto. Empezó con el tema del amor, su intimidad, y luego el sonido y el escenario.
Quería capturar una sensación universal, así que utilicé muchos sonidos del mundo. Había una espiritualidad en ello: la mortalidad y la muerte; reflexionar sobre todas estas cosas con curiosidad mística. Todo, desde los instrumentos hasta las decisiones que tomé, evocaba la profunda y ancestral sensación que me transmitía la historia.
David preguntaba: "¿Cómo suena la montaña? ¿Cómo suenan los árboles? ¿Cómo suena el agua?". Esas conversaciones hicieron que las voces fueran una parte fundamental de la banda sonora. Los yupik tienen una palabra para ello: "ella", que describe a Dios, el viento, el agua, esa sensación, esa presencia. Eso resumía a la perfección todo lo que buscábamos.
Incorporaste percusión y cantos nativos americanos. Obviamente, eso es un guiño al entorno de Alaska.
Absolutamente. Hice lo que la historia requiriera. Es música nativa americana, de Alaska y de la cultura yupik. Forma parte de su cultura. Usamos muchos sonajeros de concha y otros instrumentos de percusión, como un surdo grave y un tambor de marco. ¿Auténtico? No, pero un guiño a su estilo musical, que consiste en mantener el ritmo.
Un grupo de Alaska llamado Pamyua cantaba en yupik, y su representante escribió la letra de la banda sonora. Hice una maqueta con más elementos nativos americanos; luego la escucharon y trabajamos en ella para adaptarla a su cultura y cambiar la letra.
Cuando su avión se estrella, solo se oyen voces y percusión. En mi cabeza, las voces lo llaman a la muerte, y la tensión va en aumento, en aumento, en aumento. Entonces la percusión se vuelve cada vez más frenética, como la de un chamán, pero aterradora, oscura y proveniente del más allá.
La música tiene un auténtico sentido de espiritualidad, tanto en las escenas etéreas donde predominan los paisajes y las voces angelicales, como en las escenas de acción más intensas, donde se percibe que la música proporciona una ayuda espiritual.
Hay momentos en que la muerte lo arrastra, y la voz lo describe. Hay momentos en que lo animan y son hermosos. La voz, especialmente en esos momentos peligrosos, siempre habla de eso. De muchas maneras, lo llaman a la muerte o lo incitan a morir.
En la música se percibe una perspectiva en la que, una vez que se estrella y vuelve a la vida, vive en un espacio donde tal vez se le ha dado la oportunidad de reconciliarse con la muerte, pero también, al mismo tiempo, de salvar a su mejor amigo.
También hay largos periodos de silencio absoluto. ¿Cómo se equilibra eso con la música?
La elección de dónde colocar la música es crucial, al igual que la de dónde no. Sin duda, con esta película ambientada en plena naturaleza, no podíamos llenarla de música de cine. Perderíamos esa sensación de inmersión. Creo que forma parte de esa cualidad envolvente que buscábamos. Al final, descubrimos que la ausencia de música es mejor.
¿En qué momento empiezas a integrar tus bocetos en la película?
En cuanto tuvieran un fragmento para compartir. En este caso, me dieron un pequeño avance, de unos ocho minutos, que podían mostrar: material inicial, una especie de recopilación de los mejores momentos. Fueron las primeras veces que vi imágenes. Había estado trabajando y componiendo al piano y ya tenía muchísima música, diferentes temas, algunos bocetos e ideas, otros más elaborados. Esa fue mi primera oportunidad de ver si todo encajaba.
¿Hasta qué punto eso determinó lo que ibas a hacer?
Creo que fue una creciente familiaridad con lo que estaba haciendo. La primera vez que interpreté lo que tenía, algunas partes me resultaron emocionantes. Las ideas principales me parecieron realmente hermosas. Pero luego siempre empiezas a dudar y a cuestionarte: "¿Es esto? ¿Necesito reescribirlo? ¿Es suficiente?".
Hubo muchas dudas e indecisiones durante todo el proceso. Pero fue emocionante ver el potencial y las imágenes. Algunas piezas simplemente encajaron a la perfección y me hicieron pensar: "Esto va a funcionar. ¡Esto es perfecto!". Cuando algo está bien, está bien.
¿Te lo enviaban escena por escena o te enviaban un montaje de la película?
Recibimos una entrega de película típica. Imagina una película de hora y media dividida en cinco o seis rollos, generalmente por actos. Las primeras versiones suelen ser más largas, así que estamos hablando de una hora y 45 minutos a dos horas, y tenemos que reducirla a 90 minutos.
Componer una partitura que fluya de A a B, de principio a fin, implica hacer malabares con la música cuando una escena pasa del cuarto acto al segundo. Esto puede alterar el arco musical. Siempre surgía la pregunta: "¿Tenemos suficiente tema? ¿Hemos escuchado este tema demasiado últimamente?". Siempre había que descubrir.
¿Cómo evitar dramatizar demasiado una situación?
Es difícil. Me gusta dramatizar bastante. Eso fue sin duda un reto en este proyecto. Encontrar ideas sencillas, tener confianza en lo que estás creando y no añadir relleno para hacer la escena ridícula o sobredramatizarla. Confiar en la imagen, los actores y el montaje para que cuenten una historia, y así no tener que compensar en exceso.
Aunque se desarrolla en un entorno exterior inmenso y extenso, con elementos de gran amplitud, sigue siendo una película realmente íntima.
¿Cómo se transmite eso, verdad? Fue algo enorme. Una vez oí a alguien decir sobre la música de cine: «No escribas para un elenco más grande que la habitación en la que se encuentran los personajes». Siempre tuvimos presente que esto era algo grandioso, pero también íntimo, entre James y Odin. Es una historia de amor personal e individual.
Si están en una tienda de campaña pequeña, no hace falta una orquesta completa. Una voz solista o un instrumento de viento solista caben en una tienda y dan la sensación de cercanía. Pero cuando él está pilotando el avión y se ven paisajes montañosos, eso sí que requiere un coro completo. Organizar los grupos de esa manera hace que la melodía se eleve sobre esos paisajes.
¿Tienes alguna escena favorita en la película donde la música te haya impactado especialmente?
Hay muchísimas. Siempre me encantó la escena después de la fogata al principio, que en el álbum se llama "Se acerca una tormenta". Son cinco piezas musicales en una. Me encantó cómo la instrumentación de cuerdas se intensificaba mientras él apagaba la fogata y decía: "Bueno, tenemos que recoger".
La música se intensifica y alcanza su clímax, y mientras él aparca el avión para cargarlo de nuevo, pasamos de una escritura orquestal y dramática a un ritmo más pausado donde escuchamos por primera vez el gamelán, con un bajo a pedal. Luego, un instrumento de viento solista interpreta el tema de «El Ajuste de Cuentas». Suena con una fuerza arrolladora, evocadora y cargada de aventura. Me encanta cómo la música realza esas escenas. Es sencilla, pero transmite una gran sensación de narración.
¿Qué se siente al terminarlo?
¡Qué bueno! Pero no se acaba hasta que se acaba. Los pequeños detalles te enganchan de nuevo. Incluso después de grabar la orquesta, los cineastas querían escuchar algo ligeramente diferente al final de la película. Luego, tras entregar la película, volvimos al estudio para remezclar la música para el lanzamiento del álbum.
¿Qué opinas de la incursión de la IA en la música?
Es duro. Mi trabajo es muy personal, una conexión humana al hablar con un director. Cuando grabábamos en Londres, sobre todo con London Voices, la música nos conmovió profundamente en la cabina. Fue una conexión humana muy emotiva. Salí a agradecer a los músicos y apenas podía hablar. Abracé al director del coro y me dijo: «Es maravilloso, ¿verdad? Voces humanas». Esa experiencia de trabajar con gente es irrepetible. Ojalá perdure.
“Heart of the Beast” se proyecta actualmente en el Premiere Cinema de Hollister . El próximo proyecto de Fry es un thriller de terror independiente protagonizado por John Travolta, titulado “ Ed ”, sobre un maniquí de pruebas de choque con conciencia propia. Su estreno está previsto para el próximo año.
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